フェレンツ・フリッチャイ Ferenc Fricsay
1914.8.9／ブタペスト(ハンガリー)～1963.2.20／バーゼル(スイス)
フリッチャイはドイツを中心に活躍し、48歳の時に白血病で亡くなった指揮者である。2013年は没後50年、2014年は生誕100年ということで、数々の記念CDがドイツ･グラモフォンやタワーレコードから発売された。
●≪没後50年企画≫2013/3/8発売・タワーレコード「フェレンツ・フリッチャイの芸術」第1期／ベートーヴェン: 交響曲選集 http://tower.jp/item/3210068/
初回販売版は商品不良との連絡があったのですが、せっかくなので交換せずに記念品として保管。
●≪生誕100年企画≫2014/7/8発売・ドイツ･グラモフォン『フェレンツ・フリッチャイ/DGレコーディングズ全集Vol.1～管弦楽曲編』 http://tower.jp/item/3629174/
この二度とない機会に、フリッチャイを偏愛している私個人の想いを、ここに書き留めておきたい。
初めてフリッチャイの演奏を聴いたのは、ベートーヴェン交響曲第9番のCDだった。名古屋栄のPARCOに入っていたタワーレコードだっただろうか、表紙に惹かれ手にしたところ、ソリストがヘフリガーとディースカウ、そして「ステレオ録音」と書いてある。これが決め手となり購入した。
●ベートーヴェン交響曲第9番≪合唱≫（1993/11/1発売・DG Ferenc Fricsay Edition）
ゼーフリート(S) フォレスター(A)ヘフリガー(T)フィッシャー=ディースカウ(Br)
聖ヘトヴィッヒ大聖堂聖歌隊
フリッチャイ(指揮) ベルリン･フィルハーモニー管弦楽団
1957年12月、1958年1月・4月 ベルリン・イエスキリスト教会
当時は奇想天外な、個性的な演奏がばかり聴いていたので「特徴のない、退屈な演奏」としか思えず、一度聴いたきりだった。（今では数ある第九CDの中で最も愛する演奏のひとつ)
その後しばらくして、宇都宮の新星堂でドヴォルザーク交響曲第9番のCDを手に取った。その頃≪新世界より≫を気に入って聴いていたので購入したのだと思うが、思いがけずその演奏にしびれてしまった。特に3楽章のリズム感の凄さ、これは指揮者の能力によるものと確信した。（カルロス･クライバーのブラームス交響曲第4番を聴いたときと同様の衝撃だった。）4楽章冒頭の表現にもひっくりかえった。こんなのあり？という驚き。
●ドヴォルザーク交響曲第9番≪新世界より≫（1996/11/21発売・DG LEGEND）
フリッチャイ(指揮) ベルリン･フィルハーモニー管弦楽団
1959年10月 ベルリン・イエスキリスト教会
それからは、フリッチャイのCDを探し蒐集する日々。1961年のベートーヴェン交響曲5番の崇高な響きと佇まいに夢中になり、何度も聴いた。第1番も新鮮かつ生命力溢れる名演である。指揮者の意向でお蔵入りになっていたとされる1959年のチャイコフスキー交響曲第6番は信じられないほど凄い演奏。その深みのある音色に引きずり込まれた。（こちらは凄演すぎて繰り返し聴けない･･･)
様々な録音に接して思うのは、演奏の集中力に意外とばらつきがあること。録音時期によることも承知しているが、霊的な凄みを感じる演奏もあれば、思いのほか淡白な演奏もある。しかし、これらについても彼の人間性を想い起こさせ、より惹かれてしまう要因になっているのだ。そして、芳醇な響きや色彩を生み出す卓越したバランス感覚、作品に生命力を与えるリズム感は他に類を見ないと思う。バルトークの教えを受け、その演奏において第一人者であったことも理由にあろう。音楽に向かう真摯な姿勢、根源的な魅力でもって共演者を惹きつけてしまう音楽的才能と人間性を、演奏から窺い知ることができる。
批判を受けることを承知の上で言うと、カルロス･クライバーと同列の天才性をもっていたのではあるまいか。ただし、演奏の性格は異なるし、フリッチャイはもう少し我々に寄り添った位置にいたのかもしれない。
前述『フェレンツ・フリッチャイ/DGレコーディングズ全集Vol.1～管弦楽曲編』は、1949-1961までの記録である。この短い期間に管弦楽作品のみでCD45枚分を収録したことは、ステレオへの改変期であったレコード会社の期待の大きさの表れであるし、ハイドンから当時の現代音楽までというレパートリーもその演奏水準からすると尋常ではない幅広さだ。
あらためて、その才能と人間に想いを馳せる。1914年生まれの指揮者はラファエル・クーベリック、カルロ･マリア･ジュリー二がいる。彼らと同じように、もっと長く生きて演奏活動を続けて欲しかった。私の愛する指揮者は、ユージン・オーマンディ、イシュトヴァン・ケルテス、いずれもハンガリー出身の指揮者である。
≪イングリッシュ･テナー≫の原点に遡る。
「ミスター･ヘンデルは極めて素晴らしいイングリッシュ･ヴォイスを得た･･。」
オラトリオ『メサイア』の作曲家として有名なG.F.ヘンデルが見出し育てたテノール歌手「ジョン・ビアード」について書かれた新聞記事の一節である。彼の出現が、ヘンデルのその後の作品に大きな影響を与えた。
●ジョン・ビアード(ca1717-91)
ピアードのためにヘンデルが作曲した幾つかのアリアを見て行くと、彼の声を想像するヒントが浮かび上がってきます。それは、イタリア人テナーのために書かれたそれまでのアリアには、殆ど見られなかった、ロング･トーンの美しい、滑らかなフレーズが現れるという事です。これがつまり、極上のイングリッシュ･ヴォイスのために書かれた音楽なのです。そしてこの事から、ピアードの声質や表現形態は、限りなく現代の「イングリッシュ･テナー」のものに近いということが想像できるでしょう。(辻裕久)
≪イングリッシュ･テナー≫はジョン･ビアード(ca1717-91)にはじまり、ピーター・ピアーズ(1910-86)によって大輪の花を咲かせ、今も伝統が受け継がれている。その歴史が生み出した膨大なレパートリーは、イギリス声楽史上、重要な位置を占めている。
その歌唱技術ゆえか、彼らの来日公演では古楽作品、あるいは、人気の高いシューベルト、シューマン、ベートーヴェンの歌曲というプログラムが多いようだ。集客を考慮しての判断もあるだろうが、イギリス歌曲も存分に聴かせて欲しいと願う。
8年ほど前だろうか、イアン･ボストリッジがシューベルトとブリテンの作品を歌ったリサイタルに接した。それについて、故畑中良輔先生に「ブリテンは良かったのですが、シューベルトは･･･」と感想をお伝えしたところ、「そうだろう、僕もそう思う。」とのお返事であった。
～閑話休題～
≪イングリッシュ･テナー≫の特質は、内なる強烈な感情を秘めつつ大きな表現を避ける、日本人が共感し得る演奏スタイルの筈なのだけれど、翻って考えると、残念ながら現在の日本人が好む（興味を持つ）スタイルではないのだという納得感も。自分たちに近いものより、遠いものに憧れるという気質によるのだろうか。
イギリスの歌唱技術と伝統を彼の国で学び、演奏も数多く行ってきた辻裕久さんは、日本におけるイギリス歌曲のスペシャリストとしての草分けであり貴重な存在である。彼のことばで締め括りたい。
ピアーズの残した印象はあまりにも強く、日本人の私でさえも、様々な意味でピアーズと比較されることがあります。「イングリッシュ･テナー」の本質はとらえつつ、しかしどのイングリッシュ・テナーとも違う、“英国の味”を表現することが、私がめざすべき、私自身のスタイルの確立であり、歌手としてのアイデンティティーの確立であると信じています。
ヘンデルの愛したテノール、ジョン･ビアードと、ブリテンが生涯の伴侶として愛したピーター･ピアーズ。それぞれの時代において、イギリスの聴衆を魅了し、また後世にも影響を与える偉大な仕事をしたこの二人の演奏家は、私がイギリス声楽曲をライフワークとして歌い続けてゆく上での大きな存在です。彼らの残したイングリッシュ･テナーのレパートリーを21世紀の世界に歌い継ぐ者の一人として、私はここに、深い尊敬と感謝の念を捧げます。
●辻 裕久
【速報】第19回英国歌曲展(ten辻裕久＆pfなかにしあかね)開催決定のお知らせ
テーマは「イギリスとイタリア」 (仮)です。
プログラムなど詳細は決定しだいご案内いたします。
ご期待ください！
■静岡公演 ＊コンサートシリーズ「世界のうた」特別企画
2015年9月6日(日)14:00開演(予定) 七間町・江﨑ホール
■東京公演
2015年9月9日(水)19:00開演(予定) 銀座・王子ホール
※参考文献
CD(FMC-5040)「ベンジャミン･ブリテン歌曲集～Ten辻裕久」
東京書籍「ヘンデル～クリストファー・ホグウッド／訳・三澤寿喜」
11/20発売のレコード芸術（音楽之友社刊）に興味深い記事が載っていました。「欧米4カ国の音楽評論家による最新レポート／アメリカ」のセオドア・W・リビー・ジュニアさんの記事（広瀬珠子訳）で「形あるが故に･･･日本人と私の“もの”への愛」というタイトルです。
世界中の音楽業界がデジタル配信やストリーミングに移行している中、日本だけはCDが音楽業界の売上げの85％を占めているという事実は、とてもユニークで特筆すべきことのようです。セオドアさんは購入している音源の100％がCDとのことですが、私もほぼ同様です。頭が古い（新しい技術に移行できない）だけかもしれないけれど、ジャケットデザインに惹かれて商品を手にとり内容をイメージするワクワク感や、購入後自宅で開封しライナーノートを読み、プレーヤーで聴くという一連の流れはやめられない魅力があります。（その後の歓喜や落胆も含めて･･･）
近年は日本のレーベルが（たとえばタワーレコードのように）、国外レーベルのアーカイヴ音源を、リマスタリングとジャケットデザインにこだわり、次々とリリースしています。その充実した内容と質の高さ、パッケージのセンスには日本人の資質が最良のかたちで表れているように思います。また、ジャケットはLP時代のオリジナルデザインを継承していることが多く、私はCD世代ですが、このセオドアさんのようにLP時代に愛着を持っている方々にはより魅力的なのでしょう。
こんな想いや行為は、それ自体が音楽の本質を楽しんでいることと繋がるのか自信があるわけではないし、世の中の環境を照らし合わせてどうなのかは、広義、狭義共にわからないけれど、楽しんでいる自分を「自分らしい」と肯定的に思っています。
「美がもたらす歓びが物品に宿り得る、という概念がそこに具現化されています。日本の音楽愛好家のあいだでCD人気が根強い一因も、そのあたりにあると思われ自分には日本人的な部分がある、と私が思うのもそのためです」
レコード芸術12月号「欧米4カ国の音楽評論家による最新レポート／アメリカ」より抜粋
左はフランス「ハルモニア・ムンディ」、中央は日本「オクタヴィアレコード」、右は「タワーレコード（デッカ＆ウェストミンスター音源）」（写真が悪くてごめんなさい）
シン･ムジカにもCD制作の依頼が多数寄せられますが、演奏者の皆様の一生の思い出をかたちにするという重みを常に心に留めつつ、ひとつずつ心を込めて制作にあたっていきたいと思います。
偶然に聴いたアリーン･オジェーの歌う「シューマン：女の愛と生涯」がとても良かった。優しい語りのような･･･なんと素朴で純粋な歌だろうか。技巧によりかかることなく自然で、音楽的魅力が横溢する、品格に満ちた演奏だと思った。“演奏技術でどんな音楽をするのか”という根本的な問題についての明確な回答がここにあるかのよう。
プロデューサーの清勝也氏は言う
「ドイツ･シャルプラッテンでいろいろ録音をしている頃に僕が考えていたのは、ドイツ･リートはあまりにも詩の内容を外に出しすぎてきたのではないか、ということでした。≪冬の旅≫にしても、旋律もピアノの伴奏も完璧なくらい綺麗なのに、哲学的でしんねりむっつりした厭世的なところばかりが強調されているよう思っていました。シューベルトもシューマンもヴォルフも、もうちょっと人間が歌う喜びという方へ持っていきたかった。
結局≪冬の旅≫は、フォーゲルが思い入れを入れすぎず、シューベルトの旋律を非常に綺麗に出した演奏をしてくれて良かった。そしてシューマンの≪女の愛と生涯≫、これも凄い名曲なのに演奏となると難しいんですね。そういう意味で、オジェーのこの歌唱は思い入れすぎず、シューマンの綺麗なところを出していていいと思ってるんです。」
「シューマン歌曲集」（KICC9506）ライナーノートより抜粋
録音はまことに個性的で、今のオーディオファンには古臭いと一蹴されてしまうかもしれない。でも、この演奏に沿った的確なものであるという印象だし、むしろこの録音が演奏（CDとしての）の価値を創っているようにも感じられる。
※ドイツ・シャルプラッテン：東西ドイツの時代、東ドイツの国営レコード会社。東ドイツのレコード会社はシャルプラッテンのみであった。
※清勝也氏：徳間ジャパンコミュニケーションズのプロデューサーとしてドイツ･シャルプラッテンの日本版を担当した。
でも耳にした事のある「積水ハウスの歌（作曲：小林亜星、作詞：羽柴秀彦）」の合唱バージョンです。栗友会合唱団(指揮：栗山文昭)のしっとりとした美しい日本語に感動。メロディーの素晴らしさにもあらためて胸を打たれました。
https://www.facebook.com/video.php?v=779515435444150&fref=nf
■CMギャラリー
http://www.sekisuihouse.co.jp/cm/cm_02.html
≪50周年≫髙田三郎作曲「水のいのち」は50年前の今日(1964年11月10日)、山田和男指揮・日本合唱協会によって放送初演されました。移り変わりの早い合唱作品の中で、50年経った今でも多くの方々に愛され、歌い継がれている名曲です。ステージ初演は、1965年/指揮･辻正行デビューリサイタル(髙田三郎作品集)において行われました。
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「振るな！」「振るから歌うんだ！！」と大きな声で一喝されたのは「水のいのち」のレッスン初日、冒頭部分「降りしきれ雨よ」のフレーズでした。
（辻正行／回想「想い出すままに～師髙田三郎と共に～」
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「今までで一番良い“水のいのち”が演奏できた！」
（辻正行／2003年5月11日「その心の響き混声編Ⅰ」コンサート終演後）
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■髙田三郎合唱作品全集１“その心の響き”混声編Ⅰ
指揮：辻正行／ピアノ：辻志朗 ／合唱：大久保混声合唱団
2003年5月11日 石橋メモリアルホール（ライヴ録音）
冬・風蓮湖／わたしの願い／水のいのち
●視聴はこちら
http://youtu.be/yoHkLxw8P38
●CD案内はこちら
http://homepage3.nifty.com/SINMUSICA/shinmusica/CD/CD-101.html
髙田三郎と姻戚関係にあった元島田市長・森昌也氏は、「水のいのち」について「森日記」の中で以下のように述べています。
髙田三郎は「水のいのち」を解説して、「これを水の一生と解する人もいるが、それはLife of Waterと「いのち」を解するからで、私はSoul of Water(魂)と解している」と言っている「いのち」については、「過程」と「構造」とが同居しているのだから双方とも正しい。しかし過程であり、構造であるところにいのちの特色がある。
「水のいのち」について髙田は「根源的」ということばをつかっている。髙田が追求している“いのち”は霊であった。その限りすばらしい。それは生、命、をこえその根源にあるものである。それは、生、命の苦しみを内に許している。その限りそれは無限であり、偏在である。
しかしそれを天霊ととらえていたかどうか、第5次元をみていたか、第0次元に至っていたか。彼のCatholicismはこれにどう答えていたか。
■第63回企画展「島田市名誉市民 森昌也展」
http://shinmusica.eshizuoka.jp/e1354508.html
≪イングリッシュ･テナー≫は、イギリス人テノールという意味ではない。ひとつの特徴的な声種を表す呼称である。たとえば、テノールとバリトンの間の声域を歌うフランス声楽界特有の≪バリトン･マルタン≫もそうだ。≪バリトン･マルタン≫といえば、伝説的歌手カミーユ･モラーヌ（1911-2010）が挙げられよう。かぎりなく美しく甘い声、軽やかでありながら深みのある歌唱は、今でも多くのファンの心をとらえて離さない。
●カミーユ･モラーヌ
では、≪イングリッシュ･テナー≫はどうだろう。まず思い浮かぶのは、イギリスの20世紀を代表する世界的作曲家ベンジャミン･ブリテン(1913-1976)の作品を数多く歌い、録音も多く残されているピーター･ピアーズ(1910-1986)である。彼の録音を聴くと、とにかく語る、そして、過度な表現はなく、内側に情感をたっぷりと秘めている。声は明るさがありソフトで抑制が効き、軽くも薄くもない。演奏からは“ことば”の役割の重要性を感じずにはいられない。演劇の国イギリスから生まれた演奏スタイルなのだ。
●ベンジャミン・ブリテン(右)とピーター・ピアーズ(左)
イギリスに留学し数々の受賞歴を誇るテナーで、イギリス声楽作品の研究家でもある辻裕久さんは言う。
イギリス人の愛してやまない、この「イングリッシュ･テナー」ですが、特徴としては、メロウでどこかメランコリックなあの音色が挙げられるでしょう。英語が持っているリズムや、言葉の軽快さなどが生きる繊細かつドラマティックな語り口、また実声と裏声とを混ぜるようにして出すピアニシモの表現も印象的です。私はこのスタイルが、イギリス独自の特徴的な文化背景と、イギリス人の国民性、嗜好の中から生み出されたものであると感じています。
その嗜好の源には、たとえば英国国教会の音楽に欠かすことのできない、聖歌隊の美しく透明感のある歌声であるとか、あるいは、スコットランド、アイルランド、ウェールズ、イングランド、それぞれの民謡の切々とした語り口、などが考えられるかもしれません。しかしそれらにも増して考えられる、最も大きな影響力、文化背景は、やはりイギリスが世界に誇る演劇の文化でしょう。
ピアーズの他には、明るく輝かしく演じるナイジェル･ロジャース(1935-)、美しい声を持つアントニー･ロルフ･ジョンソン(1940-)、鋭い感覚と誠実な語り口によって作品本来の魅力を引き出すフィリップ･ラングリッジ(1939-2010)、まるで紙芝居を語りだすような風情のジョン･エルウィス(1946-)、隙のない卓越した技術を持つイアン･ボストリッジ(1964-)、今を輝くマーク・パドモア(1961-)はなんと甘く切なく歌うことか。私の浅薄な知識と経験でも、これだけの人たちがその声と共に思い浮かぶ。いずれも品格とやさしさに満ちた歌声を聴かせてくれる。
●フィリップ･ラングリッジ(左)とマーク･パドモア(右)
彼らは独自の表現姿勢を持ちながら、しかし、≪イングリッシュ･テナー≫の伝統を踏まえ、その系統にあると私は思う。その歌唱は、きっとどの時代の音楽(作品)であってもかわらない。様式は異なっても要素のとらえ方は同じなのであって、まず言葉がありフレーズがある。古楽も、ロマン派も、現代歌曲も、彼らにとってアプローチは同じなのである。
≪続く≫
静岡県島田市名誉市民であり、元島田市長でもある森昌也氏は、作曲家･髙田三郎氏の奥様留奈子氏の叔父様にあたり、その縁で創られた「髙田三郎作曲：島田市歌」は今も歌い継がれています。
昭和28年、島田市長選挙に初当選してからの20年間、政治・経済が大きな変貌を遂げていく時代に、地方自治の発展、とりわけ、早くから海外に目を向け、文化施設の充実・地域文化の発展に尽力されたことは、この時代にあって注目すべき功績だと感じています。
ご興味をお持ちの方、お近くの方はぜひお運びください。
■島田市歌
http://www.city.shimada.shizuoka.jp/hisho/sinnsikakasikettei.html
■島田市博物館「島田市名誉市民・森昌也展」
http://www.city.shimada.shizuoka.jp/hakubutsukan/exhibitions/morimasaya.html
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森昌也氏は2013年5月7日、102歳でご逝去されました。私が初めてお会いしたのは4/24、
ご自宅を訪問したときでした。
「あなたは音楽の仕事をしていると聞いた。ずっと気なっていたことがある。
(髙田)三郎君に作ってもらった島田市歌は、町村合併に伴って詩が変わってしまった。
それでも今の島田市歌は三郎君の本当の作品と言えると思うか。
これまでこのことを尋ねられる人がいなかった。」
私は森氏のその言葉に導かれるように思いのままをお返事しました。
「そうですか。ありがとう。」と仰いました。
同伴者と涙したこの時間は一生忘れることができません。
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個人的には「伴奏」という考え方があまり好きではないんです。たとえばヴィエニャフスキのヴォイオリン・ソナタなど、ヴァイオリンの超絶技巧を聴かせるための作品であれば、隙間を埋めるのがピアノの役割ということになる。でも歌曲の場合は、言葉とピアノの両方があって初めて成立する。もちろん視覚的注意をひくのはもっぱら歌手でしょう。でも音楽はピアニストと歌手の両方から流れてくるし、それが融けあって音楽になる。ですから歌曲もいわゆる室内楽のひとつとして考えるべきだし、たとえばイアン・ボストリッジのようなスーパースターと共演するときでも、単に「イアン・ボストリッジ・ショー」にならないように、ピアニストがすべき仕事を懸命にやるしかない。もちろん、スターと呼ばれる歌手の方々も楽器と声があってはじめてリサイタルが成立するのだということを、よく理解しています。声とともに音楽をつくる、そのためのピアノ演奏。これは生涯をかけて探求する価値のあるものです。
王子ホールマガジン Vol.44 2014 夏号
ピアノという仕事vol.16「ジュリアス･ドレイク」より
http://www.ojihall.jp/topics/topics.html
小川明子(アルト)ファンクラブ『がーちゃんくらぶ』会報に拙文を掲載いただきました。こういう機会をいただくと記録と記憶を整理できてありがたい限りです。
